Della produzione artistica di Boris Lurie (1924-2008) \u00e8 stato spesso mostrato l\u2019aspetto provocatorio e controverso che a partire dagli anni sessanta ha caratterizzato la sua opera. Attraverso il collage ha sovrapposto immagini della Shoah con quelle della cultura popolare \u2013 spesso pi\u00f9 ardita \u2013 che hanno frequentemente infastidito critici e curatori. Uno dei suoi obiettivi dal 1959, quando aveva fondato con Sam Goodman e Stanley Fisher il movimento \u201cNO!art\u201d, era stato quello di mettersi in contrasto con l\u2019espressionismo astratto e la pop art (pur utilizzandone il linguaggio), con il mercato e il sistema dell\u2019arte a favore di un coinvolgimento sociale e politico riportando la riflessione sull\u2019antisemitismo, la condizione della donna e la politica. Il \u201cNO\u201d comparve graficamente su molti lavori a ribadire l\u2019avversione per il mercato e pi\u00f9 in generale per un sistema culturale considerato appiattito. Le immagini stridenti, se accostate insieme, sembrarono a molti sconcertanti.<\/p>\n
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Il pubblico italiano ebbe modo di vedere la sua produzione fin dal 1962 con due esposizioni; la prima a Milano alla Galleria di Arturo Schwarz e la seconda a Roma alla galleria La Salita. A proposito di quest\u2019ultima lo scrittore e giornalista Carlo Laurenzi ne raccontava sul Corriere della Sera evidenziando il contrasto tra le eleganti vie del centro di Roma e la reazione di chi aveva visto i collage: \u201cI visitatori, nella piccola bottega d\u2019arte, sono pochi (s\u2019intende), ma imbarazzati\u2026\u201d.<\/p>\n
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Una mostra in corso al Museum of Jewish Heritage di New York presenta un buon numero di opere della seconda met\u00e0 degli anni quaranta che precede questi lavori radicali, riportando l\u2019attenzione sulla sua produzione rimasta a lungo privata. L’esposizione \u201cBoris Lurie: Nothing To Do But Try\u201d va alla radice del disagio di Lurie, rimettendo forse in discussione un percorso che \u00e8 stato visto solo sotto gli aspetti pi\u00f9 forti.<\/p>\n
Le opere rimandano alla sua esperienza personale e al trauma della Shoah. Lurie era arrivato a New York dalla Lettonia, dopo essere sopravvissuto alla permanenza nel ghetto di Riga e a diversi campi. La guerra aveva annientato parte dei suoi affetti: la madre, la sorella e la nonna; gli unici sopravvissuti furono il padre e una sorella che aveva raggiunto nel 1946 a New York, dopo aver collaborato con l\u2019intelligence americana in Europa. Sono quindi lavori realizzati dopo queste vicende e che riportano la memoria dei campi di sterminio: figure scheletriche, paesaggi inquietanti e volti sofferenti. Una sorta di ossessione e registrazione, forse un modo per fare i conti con un malessere, che avrebbe mostrato anche in seguito ma mascherato da un linguaggio considerato qualche volta ai limiti del buon gusto.<\/p>\n
Tra le opere pi\u00f9 care custodite dall\u2019artista c\u2019\u00e8 un ritratto della madre, che gli aveva suggerito di andare in un campo di lavoro e separare le loro strade. L\u2019artista si era salvato mentre la donna era morta nel 1941 dopo una marcia nella foresta di Rumbula, fuori Riga, fucilata insieme a oltre 25.000 ebrei. Lurie ha quindi vissuto tutta la sua vita con il senso di colpa che port\u00f2 con s\u00e9 fino al 2008 quando mor\u00ec a Haifa. Tenere a mente queste prime opere sar\u00e0 forse un passo obbligato per cercare un senso, ma faticosamente la completa assimilazione, di ci\u00f2 che ha prodotto successivamente.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
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